Painel - sketchbookão - Groove

Minha gratidão ao grupo musical Groove que através do Nathan me convidou para participar do musical Milagres. A emoção e o aprendizado foram imensos. Essa galera do grupo Groove canta muito bem e desenhar com esta 'frente (eu é que era o fundo)musical' foi uma delícia. Quero compartilhar desta experiência sob uma ótica mais artística.
1. Desenhar, pintar sob a observação de  terceiros, ao contrário da maioria dos artistas, não me deixa constrangido. Cada um tem um processo de execução e, para o leigo, algumas vezes, parece mágica.
Costumo 'rabiscar, sujar muito o suporte até definir a composição. Se não tenho constrangimento de desenhar ou pintar em público o mesmo não acontece com relação ao tema, à composição. Não poucas vezes desenho e redesenho. Rabisco, não gosto, faço novamente, e de novo repito o processo até a composição me agradar. Por isso, durante a execução deste painel, tinha uma 'colinha' de como ficaria a composição final.



2. Entendo que desenhar é como interpretar uma música, como decidir fazer um bolo, ou como escrever um texto. Você imagina o enredo, tem a partitura ou a receita à frente e, no meio do processo, pode perder o controle, dar seu 'toque especial'. A mesma coisa ocorre com um desenho feito ao vivo. Me preparei, defini a composição, ouvi várias vezes as músicas e, na hora, enquanto o pastor fazia as reflexões que intercalavam as músicas, comecei a alterar o projeto original. No fundo, foi neste momento que comecei a louvar. Ouvia, me encantava, pedia misericórdia divina e desconectava do restante. Pensei: 'Estou aqui, o desenho é minha expressão de louvor, é fruto de minha gratidão, o milagre é meu, então, por que não deixar a ideia fluir? O projeto original era fazer um painel tipo sketchabook, todo sob os rabiscos, destacando com contornos mais fortes a expressão de cada imagem. Mantive o conceito mas 'amarrei as narrativas' ilustradas com uma pincelada de branco 'brotanto' de uma gaiola (que também não estava no projeto) e algumas manchas de cor.



3. Desenhar ao vivo exige planejamento não apenas do projeto, mas também, é claro, do material a ser utilizado. Este foi, sem dúvida, um grande desafio. Quando eu desenho aqui no escritório, se falta alguma coisa, eu levanto e 'vou catar'. Ao vivo, não dá pra fazer isso. Organização e planejamento não são atributos naturais a mim. Achei que era melhor exagerar do que faltar alguma coisa no momento. Enchi minha mochila de pinceis, canetas (vários tipos e modelos), tubos de tinta (vai que preciso?), potes para colocar água, material para limpeza das mãos e dos materiais. Faço uma bagunça no espaço e isso não consegui mudar (kkk).



4. Desenhar ao vivo impõe condicionamento físico. Além da adrenalina, o movimento da pincelada é maior, bem diferente dos rabiscos feitos no ônibus, no metrô. Este movimento incomum, pelo menos para mim, atinge todo braço. A posição, a firmeza do painel, nesse caso, é muito importante. A ajuda de um profissional marceneiro, como Luciano, foi imprescindível. Sofri um bocado porque o painel estava muito perto do piso. Combinei isso com o Luciano para não esconder parte do painel do Congresso dos Jovens. Esta solução afetou o tamanho e a distância ente o piso e o painel. Assim tive que fazer toda parte inferior de joelhos. Convenhamos, que mesmo estando num templo é complicado ficar mais de quinze minutos de joelhos. Haja oração e câimbras.



5. Fazer um desenho-painel durante cerca de uma hora, à vista de todos, exige firmeza e simpatia depois de concluído o trabalho. É muito diferente de um trabalho desenvolvido no escritório. No escritório eu faço, avalio, me afasto, ajusto, observo. Nesta experiência eu não pude fazer nada disso. É correr e fazer. Um trabalho produzido no escritório, depois de concluído, eu saio, vou lavar a louça, vou molhar as plantas no quintal, vou andar... Preciso desligar para refletir. Neste caso, logo depois da conclusão, é preciso, como disse, firmeza. Firmeza contra os ingênuos e os espertalhões que desejam a obra: 'Me dá!". 'Você já sabe o preço?". "Vai vender?". "Acho que vai ficar legal perto da piscina, quem sabe do meu quarto!". Por isso, firmeza e simpatia. É necessário também preservar a simpatia porque, no fundo estas pessoas estão expressando admiração, carinho e dizendo que, de alguma forma foram afetadas pelo trabalho.



A experiência foi tão boa que decidi fazer outros painéis grandes enquanto ouço música. Quem sabe?

Dicas de desenho 3

Já faz tempo que declarei minha paixão por esta forma de 'passar o tempo' numa viagem. Ônibus, trem, metrô, vale quase todo tipo de transporte. Algumas vezes só a presença do meu sketch na mochila já é um estímulo à observação. Taí. É este o meu tema: observação.
Já havia dito em outras postagens da importância de desenhar, desenhar sempre. Para mim isto é tão claro. Quem canta, deve cantar. Quem escreve, escrever. Quem ama desenhar, desenhar.Quem canta, escolhe o repertório. Quem escreve, o estilo literário. Quem desenha também seleciona. Selecionar é separar. Separar é deixar outras coisas de lado. Selecionar é dar atenção especial.
O que produzimos, também sob esta ótica, nos denuncia.
Eu gosto de observar o corpo, o ser humano. Tem gente que gosta de paisagem, outros de animais, outros de sei lá o que. 'Cada é um é cada um', já dizia o filósofo. Me encanta observar as expressões, o desenho do rosto, a harmonia encontrada, algumas vezes, no desencontro. E quando tento observar de outro ângulo, aí é mesmo uma viagem.
Dia desses, uma amiga observando minha concentração nos rabiscos do sketch, sabiamente afirmou:
'Prá você não tem tempo perdido. Com papel e lápis tudo pode vira diversão." Adorei.
Doutra feita, fiquei preenchendo o sketch durante o culto e, ao final, uma outra querida amiga pediu, muito educadamente, permissão para me abraçar. Como assim? O que houve? Pensei. Depois do abraço afetuoso ela falou baixinho ao lado do marido: "Estava observando seus desenhos e me encantei!" Não fiquei vermelho porque minha cútis não permite.
Desenho de observação é vida. Vida porque aquele olhar, aquele ponto de vista é só seu. Se cada corpo ocupa um lugar específico no espaço. Este espaço é seu, só seu. Quando você, exercitando o desenho, reproduz uma foto, uma imagem já impressa - seja por que meio for - você está sendo conduzido ao enquadramento, à seleção feita anteriormente por uma outra pessoa. Este é um dos valores do desenho com modelo vivo. Toda seleção precisa de um enquadramento (campo) e todo campo denuncia que havia algo a mais, alguma coisa ficou de fora (extra-campo). É aquele execício tão comum de encontrar uma forma de enquadrar para fotografia num pequeno espaço, excluindo o indesejável.
Da próxima vez que for desenhar, fotografar, cantar, tenha mais cuidado e observe. Observe atentamente, olhe para dentro, e veja o que te 'empurrou' para gostar dessa ou daquela música, desse ou daquele estilo literário. Observe de que você se serve.
 "Os olhos são a janela do corpo.  Se vocês abrirem bem os olhos com admiração e fé, seu corpo se encherá de luz' (Mt 6.21 - A Mensagem)

Caneta de retroprojetor sobre papel kraft e também sobre papel colorplus. A cor foi feita com caneta esferográfica colorida e o branco com caneta corretiva.

Som e Arte

Som e Arte é uma instituição de ensino ligada, como o nome denuncia, a música e a expressão artística por meio dessa linguagem. A coordenadora do projeto apaixonada por arte viu minhas ilustrações expostas durante o Congresso de Mulheres de minha igreja. A professora Lydia Belle gentilmente me ligou pedindo que eu participasse do Recital da Escola que aconteceria no Museu Nacional da Quinta da Boa Vista. Aceitei o convite e levei a série de desenhos que produzi como caneta de retroprojetor e lápis cera. Utilizei a caneta como se fosse um lápis, entendendo que a construção dos 'rabiscos' iniciais fazem parte do processo. Gostei muito do exercício. Prova disso é que fiz mais de 30 desenhos numa escala diferente da que normalmente trabalho. Os desenhos ficaram expressivos e para preservá-los um pouco mais fiz a fixação com cola branca. Durante a apresentação, como não poderia deixar de ser, fui fazendo meus 'rabiscos' ao vivo num sketchbook. Os alunos adoraram e eu também me diverti um bocado.

Desenhos feitos assim, ao vivo, com o modelo em movimento é um exercício pra lá de desafiador.

A Mona Lisa

O que há de tão especial neste quadro que faz as pessoas se acotovelarem para vê-lo de mais perto?
Eu, apaixonado por arte, sempre me deparo com essa e outras perguntas.
Vou tentar enumerar 10 razões que fazem de 'a sorridente' (é este o significado de Gioconda) um dos quadros mais valorizados do mundo. Ele pode parecer um 'quadrinho' de nada mas, cuidado, as aparências enganam.
1. Este é, segundo o próprio autor, a sua obra prima. E você sabe que obra prima é a primeira numa escala de valores, a mais importante? Ninguém nega a genialidade do grande Leonardo da Vinci então, todo mundo reverencia e tenta entender a escolha que ele mesmo fez.
2. Ela é um marco na pintura pela apresentação da técnica do sfumato. O nome já diz: esfumaçar. Esfumaçar os contornos, tornar a linha do desenho indefinida. Também é, a partir deste quadro, que surge o padrão de pintar, dar foco apenas acima dos seios - 'o busto'.
3. É uma obra que traz um forte conteúdo histórico, entre outras coisas, por representar o 'comportamento social' de sua época. Além de ser o destaque no maior Museu de Arte do mundo.
4. Sempre existiu uma 'aura de mistério' em torno desta obra, desde a identidade do modelo até o costume de Leonardo levar a "Mona Lisa' para todos os lugares onde ia. E, além disso, durante as guerras, o quadro sempre ficou escondido.
5. Personalidades famosas apaixonaram-se pela obra. Napoleão ficou apaixonado pela obra e 'tomou posse' dele. Freud usou o quadro como metáfora a atração erótica entre filho e mãe.
7. A obra foi roubada e acusaram um poeta e, nada mais, nada menos, que Pablo Picasso de a roubarem.
8. Ela sofreu vários atentados internacionais. Um 'doido' jogou ácido, outro jogou uma pedra e até uma xícara de café foi lançada contra o quadro.
9. Este é um dos quadros mais valiosos do mundo.
10. O quadro tornou-se um ícone cultural. Pintores, músicos, cineastas, gente da literatura e de todas as formas de manifestação artísticas já reinterpretaram esta obra.
Tive o privilégio de visitar o Louvre, entrar na sala em que o quadro está exposto (ele muda de lugar) mas confesso que só olhei a obra de longe. Nada vai retirar o valor que ela carrega, mas me recuso a ficar 'brigando' para reparar o que não dá para ver sem cuidado. Claro que a maioria dos visitantes querem dizer: eu vi a Mona Lisa. Todo tipo de comentário só reforça a  magnitude desta obra. Infelizmente, não dá para 'sofrer o impacto' da emoção na hora, no primeiro contato, sem entender pelo menos, esse 'feijão e arroz' da obra. Sugiro que, se você quer mesmo ver, estudar, apreciar a obra prima de Leonardo, pesquise a história e repare os detalhes numa reprodução confiável:
http://www.louvre.fr/oeuvre-notices/portrait-de-lisa-gherardini-epouse-de-francesco-del-giocondo
E, quanto for lá, não se recuse a ver A MONA LISA.

Produção independente para livros infantis

Este é um exemplo do processo da produção de um livro independente.
Uma. produção deste tipo exige um esforço financeiro grande do autor mas, se o livro for aceito pelo mercado, o retorno é muito, muito melhor.
Quando um livro é produzido por uma Editora ele passa por um longo processo de avaliação. Esta avaliação, de forma geral, diz respeito ao mercado, ao público alvo, ao retorno do investimento, ao custo-benefício deste novo 'produto'. Por isso, novos autores tem muita dificuldade para ter seu texto aprovado. No caso de aprovação, que pode durar até um ano, o autor, normalmente, não acompanha o processo e só vê o livro pronto, finalizado. Como prescreve a lei, o autor recebe cerca de 10% do 'custo de capa' da tiragem produzida, de forma parcelada.
Quando o autor decide fazer uma produção independente ele está fazendo o papel da Editora, ou seja, é ele quem está assumindo todos os custos. Justamente por isso, numa produção independente, tudo deve ser acordado minuciosamente antes do início do processo para não 'azedar' a relação.
Cada ilustrador tem seu próprio critério e alguns não aceitam, nem gostam de produzir livros assim.
No meu caso, de forma bem geral, sigo as seguintes etapas:
1. Recebo os originais do autor e conversamos sobre os sonhos, o público alvo, a tiragem, o número de páginas, o projeto de venda  e veiculação e tudo mais que envolve a obra. É fundamental, como em todo relacionamento, que haja empatia e confiança. Aqui se inicia um 'plano de voo".
2. Elaboro um orçamento dos custos de arte - meu trabalho - e pesquiso no mercado a referência de custo da produção gráfica do material. Esta referência pode modificar em função do tempo de produção e, consequentemente do tempo de entrega do material para ser impresso. O material pode levar de um a três meses para ser entregue dependendo do número de páginas.
3. Depois de aprovado os custos e prazos, desenvolvo uma 'boneca' (simulação à lápis de como será o livro respeitando inclusive o formato final). Este é o momento de mostrar o 'plano de voo' para que tenhamos segurança do caminho que já estamos percorrendo. Este é o momento de ajustes, do retoque, da discussão e avaliação do que foi planejado e da afinação com o que está sendo executado.
4. Hora do ajuste, do 'pente fino'. Emenda aqui, correção ali e uma ilustração colorizada para a visualização ainda mais refinada de como será o produto final.
5. Finalização e fechamento para gráfica. Ultima revisão do texto para não sair nenhum erro. Montagem de uma 'boneca', agora colorida e montada para servir de referência para gráfica. Entrega dos arquivos. São duas cópias, uma para produção na gráfica e outra para o arquivamento do autor.
Todos os originais pintados ficam com o ilustrador. Em alguns casos o autor solicita uma cópia das ilustrações para fazer quadros.

Modelo enviado para o autor de como ficará a ilustração de página dupla finalizada. Observe que toda estrutura da página foi definida na boneca à lápis. É a mesma imagem, agora finalizada. A dobra está bem no centro da imagem e a intenção, neste caso foi determinar, por meio do contraste cromático, dois sentimentos contrastantes num mesmo momento da história. Este é um exemplo do que chamo de ritmo do texto. Mas este é um papo para outra postagem.

No Espeto Carioca - Méier

Não parece. foi ontem mesmo. Convenci minha esposa e saímos de casa para comemorar o aniversário de uma amiga pensando em bater papo, jogar conversa fora, rir à toa, descontrair. Encaramos eu, ela e meu filho, um engarrafamento desagradabilíssimo. Eu quietinho aturando o trânsito e alimentando a esperança de atingir meu objetivo não revelado. Percebi que as coisas começavam a melhorar quando, bem perto do restaurante encontrei  uma vaga sendo liberada para o nosso carro. Mas, quando chegamos ao local, muito simpático na ambientação, encontramos um barulho (diziam que era música ao vivo) danado e quase não conseguimos cumprimentar os amigos presentes à comemoração. Me percebi um velho chato. Galera bonita, animada em toda volta do restaurante apinhado de gente. Percebi que não daria para mudar as coisas. Precisava deixar, ou pelo menos tentar deixar de lado, o sentimento ranzinza e procurar interagir. O QUE? NÃO ENTENDI. COMO É QUE É? HÃ?! Aí me percebi bicudo, sendo transformado num chato intolerável. É horrível senti-se má companhia para si mesmo! A única coisa que entendi, em meio aquela gritaria, foi que cada um deveria fazer o controle de seu consumo. O atendente simpático gritando perto dos meus ouvidos disse que o controle do restaurante era feito por mesas. Para registrar este controle era necessário ter caneta para anotar - pelo menos ha algum tempo atras era assim. Consegui uma caneta. Fiz as primeiras anotações no verso do saquinho de papel que trazia os talheres. Pronto. Meus problemas acabaram. A vida é mesmo cheia de surpresas. Com papel e caneta em mãos, mesmo sem poder conversar, o restaurante ficou ótimo de uma hora para outra. Ri, zoei, desopilei geral! Rabisquei quem estava ao alcance do olhar. Quase virei para desenhar o cara que brigava com o violão e agredia o microfone mas meu sistema de defesa não permitiu. Aplaudi muito quando ele parou de tocar. 'E aí o senhor gostou?' Perguntou o garçom que esticava o olho, para na realidade, observar os desenhos. Não, só estou aplaudindo porque ele parou. (kkk) Respondi.

Sketchbook é fofoca do traço.

Tempo é presente. Deveria ser tratado como tal. Já pensou o que é jogar um presente no lixo?
Era exatamente assim que me sentia numa cadeira aguardando para ser atendido, ou num engarrafamento observando a mesmo paisagem, ou mesmo sentado folheando revistas diante de um podólogo.
Já faz tempo que nego a me sentir torno escravo dos outros me sentindo caixa vazia.
A primeira opção foi levar um livro comigo. Livro faz a gente decolar daquele marasmo. Quando  penso em leitura vem logo à mente o inesquecível período da graduação. Sair do bairro em que estudava e ir para casa era um viagem. Não gastava menos de duas horas sentado num ônibus. Foi neste período que me 'viciei' em ler no transporte coletivo. Aprendi a escolher o lugar para sentar. Minha leitura preferida são livros que estimulam à reflexão e, por isso, não poucas vezes me surpreendia com o olhar perdido, vagueando num infinito surreal.
Desde que comecei a utilizar o sketchbook a 'coisa mudou'. Algumas vezes, quando me sinto mais à vontade, abro o livro e deixo o sketch pronto para anotação, o rabisco. Outras vezes me transformo no fofoqueiro do traço. Olho, reproduzo, exagero, invento, me divirto.
O último sketchbook que montei está anexado ao caderno para anotações da pós graduação.Acabei de montar um com os trapos de folha que não jogo fora (acho que estou ficando envelhecente). Sketchbook é bom para alma e derrota a angústia do tempo perdido.Não saio mais de casa sem ele.
Gosto tanto desse traço sem correção, sem borracha, sem compromisso que começo a pensar em levar isso como um estudo mais sério.